Es gibt Themen, die sind äußerst heikel. An die wagen nicht einmal wir uns heran. Und wenn, dann muss vorher in der Redaktion besprochen werden, wie wir mit dem jeweiligen Thema umgehen sollen und auch mit den teilweise heftig ausfallenden Reaktionen darauf. Katzencontent IST so ein Fall. Aber wenn jemand manisch und akribisch fotorealistische Bleistiftzeichnungen von fiesen, fetten, verhaltensgestörten Perserkatzen anfertigt, können – und ich denke auch dürfen wir das euch nicht vorenthalten. Weirdness. (jb)

Es ist doch so, es gibt verdammt viele, naja, semi-attraktive Musiker, deren Erscheinungsbild alleine keine Begeisterung bei potentiellen Groupies erregen würde. Was muss man also tun? Man muss eine möglichst abstruse Gitarre mit sich führen und alles ist geritzt. Ein paar Inspirationen gibt es hier. (jb)

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Es gibt ein Orchester, was ausschließlich auf iPads musiziert. Dort werden die Instrumente auf die jeweiligen Flachmänner gelegt und von erfahrenen Orchester-Musikern bedient. Yeah! Und damit man auch weiß, wer welches virtuelle Instrument spielt, tragen die Mitglieder T-Shirts mit den Namen der Instrumente. Double-Yeah! Und damit keiner merkt, wie bescheuert das eigentlich alles ist, wenn man bedenkt, dass man auch alle Musiker vor ein Midi-Keyboard setzen oder ihnen ganz einfach echte Instrumente in die Hand drücken könnte, gibt es ein bisschen Light-Show mit Projektionen. Triple-Yeah! (jb)

Alex Sphil – The iPad Orchestra

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Heutzutage muss man sich schon was einfallen lassen, um als DJ noch etwas bieten zu können. Nachdem die Plattenspieler erst zu CD-Playern und dann zu Laptops zusammengeschrumpft sind, ist da performancemäßig nicht mehr viel am Start. Also hat sich Rodrigo Campos überlegt, den Bildschirm einfach überdimensional groß zu machen. Gut, ob das unbedingt den Auftritt des DJs besser oder die Musik spannender macht, ist die Frage. Aber, Lightshow! YEAH!

Töken Experience (via De:Bug)

Hingegen sind die schwedischen Spezialisten von Teenage Engineering den umgekehrten Weg gegangen und haben einen Mini-Sampler gebaut, der ein bisschen wie eine Mischung aus My First Sony und 2001-Konsole daherkommt. Es handelt sich allerdings gar nicht mal um das schlechteste Gerät, wenn ich die Beschreibungen richtig verstanden habe, denn die Bedienung ist recht intuitiv und eröffnet ziemlich viele Möglichkeiten. Also, wenn das Ding auf dem Markt ist, sollte man vielleicht mal in den Shop zum spielen gehen. (jb)

OP-1 – Tape Demo

OP-1 – Pulse & Sequence School

Das Teil liegt irgendwie in jeder WG-Küchenschublade und kostet zwischen 1 Euro beim Billigheimer oder 39 Euro in der Edelvariante. Gijs Gieskes aus den Niederlanden hat offensichtlich die günstige Variante genommen, unterschiedliche Konstruktionen aufmontiert und die bei der Rotation entstandenen Sounds mit Tonabnehmern aufgenommen. Dabei kamen dann einige sehr interessante Sounds raus. Was dieser Kerl sonst noch so aus Schaltkreisen zusammenbastelt, sollte man sich mal näher auf seinem Vimeo-Channel ansehen, denn der Cappuccino-Synthie ist dagegen nur eher ein kleines Gimmick. (jb)

Gijs Gieskes – Cappuccino Synth

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Der amerikanische Komponist Tristan Perich steht nicht so auf 8Bit-Musik. Er hat es eher mit der 1Bit-Musik, die er in Form eines Albums hörbar macht, was zwar in einer CD-Hülle daherkommt, aber keine CD ist. Es handelt sich um simple Schaltkreise mit einer Batterie und einem Kopfhörereingang. Wenn man den kleinen An/Aus-Schalter in dem Case betätigt, bekommt man herrlichste 8Bit-Synphonien zu hören. Wer will denn noch mehr? (jb) (via BoingBoing)

Tristan Perich – 1-Bit Symphony

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Illustration: ©2010 NeuroPeach (VRU Berlin)

Vor ein paar Tagen haben wir euch zusammen mit DJ TechTools den ersten Teil der Mastering Anleitung präsentiert, in der wir mit Größen aus der Industrie über ihre Vorstellung von Mastering geredet haben. Jetzt erklären wir euch den Prozess und eklären Schritt für Schritt den Weg zum perfekten Mastering.

Bevor es losgeht:

Man sollte niemals unterschätzen, wie wichtig es ist, dass die ursprüngliche Abmischung so gut klingt wie möglich. Außerdem sollte man wissen, welchen Sound man am Ende erreichen möchte, BEVOR man mit dem Mastering anfängt. Wenn man am Anfang nicht weiß, wo man hin möchte, wird man auch nirgendwo ankommen! Mastering kann keinen kaputten, fiesen Sound gut klingen lassen. Aber es kann einem schon sehr guten Track den fehlenden Schliff und Druck verpassen.

Man kann sich den Vorgang des Masterns wie das Würzen von Speisen, etwa das Salzen, vorstellen. Salz ist ein Geschmacksverstärker und hebt den schon vorhandenen Geschmack vor. Es kann kein göttliches Festmahl aus ranzigem Viehfutter machen. Und zu viel Salz kann zum Herzinfarkt führen. Mit dem Mastering ist es dasselbe. Wenn die Zutaten von hoher Qualität und ausgewogen zusammengestellt sind, wird das Mastering sie noch weiter verbessern. Wenn aber eine Bassdrum schwach und schlecht gepegelt ist oder eine Bassline nicht im Rhythmus läuft, kann auch Mastering nicht mehr helfen.

Los geht’s!

Wenn der Track fertig ist und man total zufrieden mit allem ist, sollte man ihn erst einmal ein paar Tage liegen lassen. Danach sollte man irgendwann wieder ins Studio gehen und sich vielleicht erst einige aktuelle kommerzielle Stücke ähnlichen Stils in leiser bis mittlerer Lautstärke anhören. Man sollte sie sich sehr genau anhören und hören, wie sie im eigenen Raum klingen.

Nun sollte man ein neues Projekt anlegen und die Stereospuren von einem der Tracks, deren Klangbild man erreichen möchte, importieren. Diese Spuren müssen natürlich die ganze Zeit frei von Plug-ins bleiben, also am besten direkt in einen separaten Master-Ausgang gespeist werden. Die Plug-ins, die später auf den eigenen Track angewendet werden, dürfen nicht in die Signal-Kette des anderen Tracks geraten. Also wenn das Ausgangssignal durch einen Limiter oder Exciter läuft, müssen auch diese entfernt werden und ein Mix-Down des unbehandelten Tracks gemacht werden. Es sollte so wenig wie möglich an dem File bearbeitet sein, dasmm man verwendet.

Jetzt importiert man den Mix in eine eigene Spur und prüft, ob er genug Headroom (Spielraum in der Lautstärke vor dem Übersteuern) hat. Dazu spielt man das Stück an der lautesten Stelle ab und behält den Lautstärke-Ausschlag im Auge, wenn er sich dauernd um die 0 dB bewegt und immer wieder in den roten Bereich knallt: leiser machen! Das heißt nicht, dass man den Schieberegler des Kanalmixers runterschiebt, sondern dass man etwas vom Gain wegnimmt, zwischen 3-4 dB. Man braucht Raum zum Arbeiten und will nicht, dass die Plug-Ins später bei erste Gelegenheit übersteuern.

Bus Kompression:

Einen Kompressor auf den gesamten Mix anzuwenden, bezeichnet man als Bus-Kompression. Dies macht man, um sicher zu gehen, dass die Dynamik den ganzen Song über möglichst gleich bleibt. Er neigt dazu, alle Elemente zusammenzufügen, und gleichzeitig den Eindruck des Tracks nicht zu verfälschen.

Man stellt zunächst die Kompressionsrate auf einen Wert zwischen 2:1 und 3:1, Attack, also den Anschlag auf 1/4 der möglichen Skala und den Release, den Nachklang, entweder wie Attack oder auf Automatik. Nun sollte man noch einmal den Input angleichen bzw. den Threshold, bis man auf einen maximalen Ausschlag von 3-4 dB auf der Lautstärkeanzeige an den Spitzenausschlägen des Tracks kommt. Der Trick ist hierbei keine starke Kompression anzuwenden, sondern einfach einige Frequenzen in einem musikalischen Sinne zu verschmelzen. Längere Anschlagszeiten mit geringeren Verhältnissen sind hierbei hilfreicher um soviel Transparenz wie möglich bewahren. Der Kompressor sollte sehr schnell greifen, aber möglichst unhörbar und nie mehr als 3-4 dB der Originallautstärke beschneiden. Der Output sollte nun genauso eingestellt sein, dass die Ausgabelautstärke die selbe ist, wie ohne jegliche Kompression im Bypass-Modus.

Die Equalizer-Einstellungen

Als nächstes kommt der Multiband-Equalizer zum Einsatz und – wenn das Plug-in keinen besitzt – noch ein zusätzlicher Hi-Pass/Lo-Cut Filter. Den Filter setzt man auf ungefähr 30Hz und schneidet alles darunter ab. Man wird überrascht sein, wie viel mehr Druck plötzlich auf den tiefen Frequenzen liegt. (Man kann versuchen den Filter vor die Bus-Kompression zu setzen, falls die Gain Reduktion zu viel Druck aus dem Sound nimmt).

Jetzt werden noch andere störende Frequenzen herausgeschnitten, indem man mit dem Referenz-Stück bei gleicher Lautstärke vergleicht (dabei sollte man den Regler des zweiten Tracks anpassen und nicht einfach den eigenen lauter machen). Man sollte die Center-Frequenzen einmal von vorne bis hinten durchschieben und sich auf dann immer auf das jeweilige Areal konzentrieren. Zum Beispiel der Bassteil; ist der eigene Mix matschig im Vergleich zu dem anderen? Falls ja, beschneidet man bei 250 Hz und überprüft, ob es nun besser klingt. Anfangs sollte man mit kleineren Arealen beginnen, die Stelle finden, an der die meisten Störungen und Ausreißer sind und dann den Bereich so weit verbreitern wie nötig. Auf die gleiche Weise geht man selbstverständlich bei den Mitteltönen und den Höhen vor.

Nun zur Verstärkung…

Ist man irgendwann mit der Frequenzregelung zufrieden, kann man wieder anfangen Dinge hinzuzufügen. Man sollte vielleicht mit einem linearen Phasen-Equalizer beginnen, da diese Plug-Ins etwas transparenter sind und weniger ungewollte Artefakte beim Mix hinterlassen.

Vielleicht kommt die Kickdrum besser heraus wenn…
…man eine Frequenz um  80 bis 100 Hz verwendet.
…man eine sehr schmale Bandweite benutzt und vorsichtig mit einer zugeschalteten Verstärkung umgeht, man sollte nicht mehr als 2-3 dB hinzufügen müssen, sonst war schon vorher etwas nicht okay. Man sollte immer im Auge behalten, die Q-Punkte im parametrischen Equalizer niedrig zu halten.

Nun zum oberen Ende des Klangspektrums. Vielleicht muss man ein paar mittlere Höhen und einen Hi-Shelf mit einem Boost von 8-10kHz hinzugeben um ein wenig Schärfe hinzuzufügen.

Wunderbar… jetzt sollte man erst einmal eine Pause einlegen, um später die Ergebnisse mit einem weniger vorbelastetem Gehör überprüfen zu können, da sich das Ohr sehr schnell an einzelne Frequenzausreißer gewöhnt und diese selbst ausgleicht. Klingt gut? Großartig! Wenn nicht, dann muss man mit dem Equalizern noch einmal beginnen. Jetzt vollkommen zufrieden? Dann machen wir das ganze jetzt Radio-tauglich …

Make it LOUD!

Man macht sein Stück nicht lauter, indem man die Monitorboxen lauter dreht, sondern indem man einen Peak Limiter hinzufügt. Anfangs sollte man es vielleicht mit den Attack- und Release-Zeiten bei den Standardeinstellungen belassen, da falsche Einstellungen dort leicht für einen überzogenen oder auch leblosen Mix sorgen können. Man sollte den Output einfach auf einen Wert zwischen -0,5dB und -0,1dB einstellen, wenn man wirklich sicher gehen will oder die Datei am Ende als MP3 ausgeben will. Außerdem sollte man den Threshold oder den Input herunterregeln, während man dabei den Track laufen lässt. Man wird sehen, wie die Ausschläge nach oben gehen und der Sound sich besser anhört.

Jetzt ist es an der Zeit das Metering des Referenz-Tracks zu vergleichen. Man will ja hinbekommen, dass beide ähnlich aussehen (ein Spektral-Analyse-Plug-In ist hier genau das Richtige, wenn man denn eines hat). Wenn sich dort im eigenen Stück kaum Bewegungen zeigen, könnte das ein Zeichen sein, dass bei dem Track alles permanent auf Anschlag steht – nicht gut… außer natürlich, es ist genau das, was man erreichen will. Es kann aber schnell passieren, dass man sich hier mitreißen lässt und es übertreibt.

Genießen, nicht schießen!

Wenn man die gesamte Produktion inklusive des Masterings selbst macht, ist es sehr wichtig immer wieder Pausen einzulegen. Es ist unglaublich, wie leicht uns unsere Ohren über’s Ohr hauen. Das Gehör passt sich schnell an und wir hören was wir erwarten, und nicht was tatsächlich da ist. Sich alles auch auf anderen Systemen anzuhören ist ebenfalls Pflicht. Man sollte seinen Track mit anderen Songs zum Vergleich auf seinem CD-Player in der Küche, im Auto und im Wohnzimmer hören. Einer der wichtigsten Punkte beim Mastern und Abmischen ist, sicher zu gehen, dass es auf allen Anlagen so gut wie möglich klingt. Schliesslich hat man so viel Arbeit in sein Kunstwerk gesteckt, da will man auch dass es überall gut klingt – und die Extra-Zeit, die man ins Mastering gesteckt hat, wird sich in der „Referenz-Hören“-Phase langfristig auszahlen.

Eins noch… wenn, wie im letzten Artikel schon beschrieben ein Label deine Arbeit mag und veröffentlichen möchte, sollte man herausfinden ob sie es auch Mastern werden. Wenn ja, sollte man daran denken ihnen den Original-Mix für’s Mastering zu schicken, und nicht den bearbeiteten. Jeder Mastering-Experte wird einen verfluchen und ernsthafte Problem damit haben, mit einem schon gemasterten File zu arbeiten.

(Dank an Simon Kock!)

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Illustration: © 2010 NeuroPeach (VRU Berlin)

Freundlicherweise haben uns DJ TechTools ihren Artikel über Mastering zur Verfügung gestellt, so dass wir ihn jetzt auch für deutschsprachige Leser bereitstellen können. Morgen präsentieren wir euch dann den zweiten Teil mit einer Schritt für Schritt-Anleitung zum Mastern des eigenen Materials.

Meistens lässt sich die Frage in einem Wort beantworten – Mastering! Um etwas Licht ins Dunkel dieser oft unverstandenen Kunst zu bringen, hat sich 5aint mit John Cuniberti, einem der führenden Gurus des Masterns, getroffen, um diesen Prozess zu entmystifizieren. Cubinerti fing als Live-Mischer für Stevie Wonder an und hat mittlerweile über tausend Alben gemischt, unter anderem DJ Shadow, Tracy Chapman und die Dead Kennedys. Außerdem war er maßgeblich an Hard- und Software-Entwicklung von Mastering-Tools beteiligt.

(…das wird wohl schon etwas länger her gewesen sein, das Foto…)

Vielleicht kannst du uns erklären, was Mastering überhaupt bedeutet.

John Cuniberti: Mastering ist der letzte kreative Prozess in der Produktionskette und die letzte technische Abnahme vor der Vervielfältigung der CD. Allgemein gesprochen – das Ziel ist es, das Hören der CD zu ermöglichen, ohne dass der Hörer währenddessen die Lautstärke und den Equalizer verändern muss. Dies erreicht man durch Frequenz-Angleichung, Kompression und/oder Limitierung. In den richtigen Händen kann das Mastering eine Sammlung guter Mixe in ein großartiges Album verwandeln.

Warum erreicht man das nicht mit einem einfachen Mix-Down und warum ist das Mastering die magische Zutat dabei?

John Cuniberti: Viele Independent-Alben werden unter nicht gerade idealen Bedingungen aufgenommen und abgemischt. Kompromisse in der Raum-Akustik in solchen „Projekt-Studios“ verhindern, dass der Tontechniker in der Lage ist, einen natürlichen Klang umzusetzen. Außerdem kommen Unregelmäßigkeiten beim Sound hinzu, wenn bei jedem Stück unterschiedliche Personen in unterschiedlichen Studios unter wechselnden Bedingungen für die Aufnahme verantwortlich sind. Das Mastering hilft dabei, einen durchgängigen Sound auf einer CD zu schaffen und sorgt dafür, dass ein Album die geforderten Qualitätsmerkmale der meisten Major Label-Veröffentlichungen erfüllt.

Hat sich der Mastering-Prozess durch die enorme Anzahl an Single-Veröffentlichungen im Bereich der elektronischen Musik verändert?

John Cuniberti: Er hat sich nicht verändert, aber das Mastern einer Single beinhaltet nicht so viele Schritte, und grundsätzliche Überlegungen wie bei einem Album. Der Fokus liegt hierbei darauf, einen einzelnen Track so gut wie möglich klingen zu lassen und es nicht auch dem anderen Material eines Albums anzugleichen.

Zu welchem Zeitpunkt sollte ein Musiker professionelles Mastering machen lassen?

John Cuniberti: Wenn sich der Musiker nicht sicher ist, ob seine Abmischung O.K. ist, sollte er sich Rat bei einem vertrauensvollen Mastering-Ingenieur holen.

Welches Datenformat sollte man für professionelles Mastering abliefern?

John Cuniberti: .wav oder .aif in getrennten Mono-Spuren oder Stereo Interleaved. Geliefert auf einer CD, Festplatte oder per FTP-Server.

Jetzt haben wir ein Bild von der Definition des Masterings. In einer perfekten Welt würden jeder seine Tracks zu etablierten und qualifizierten Mastering-Ingenieuren schicken. Aber leider ist das natürlich nicht so einfach. Meistens werden Platten eher auf gut Glück und ohne finanzielle Sicherheit oder Garantie auf Erfolg produziert. Daher muss man meistens selbst dafür sorgen, die Tracks so gut es geht abzumischen. Zum Glück gibt es mittlerweile eine Menge Plug-Ins, die uns dabei helfen können. Also haben wir einfach zusätzlich noch Sonny Wharton und Digital Impression, zwei aktuelle Produzenten aus UK, dazu befragt. Als reguläre Gäste in den oberen Rängen der Beatport und Dance-Charts kennen sie sich mit der Situation gut aus.

Wie geht ihr beim Mastern ungefähr vor?

Sonny Wharton: Ich lasse alle Kanäle ziemlich niedrig laufen, so um die -20 oder -30 dB, danach lasse ich alles auf dem Master Bus durch Logics Gain Plug-in laufen, bevor ich es durch den T-RackS Deluxe 3 schicke. Auf dem T-RackS lasse ich einen EQ in einen Kompressor laufen, dann in einen Limiter und schließlich durch einen leichten Clipper. Durch den Equalizer beschneide ich meistens den Bass leicht und gebe manchmal ein bisschen Druck auf das obere Ende. Aber natürlich hängt das sehr von der Art des Stückes, das ich gerade mische.

Masterst du nach dem Bauen eines Songs oder lässt du alles von Anfang an durch das Mastering laufen?

Sonny Wharton: Ich persönlich baue den Track und mixe ihn mit allem auf dem Master Bus, um Zeit zu sparen und weil ich weiß, wohin das Stück gehen soll. Trotzdem höre ich mir das Stück ab und zu während der Aufnahme im Bypass an, um einen Vergleich zu haben.

Digital Impression: Ja, das ist ein guter Weg, um in den kurzen Zeitfenstern zu arbeiten, die man bei elektronischer Musik heute hat. Du musst nur vorsichtig sein, dass deine EQs nicht gegeneinander arbeiten. Ich bevorzuge es,  in einen Bus Kompressor hinein zu mixen, normalerweise „The Glue“.

Macht ihr euer Mastering eigentlich selbst oder schickt ihr auch mal was zum Mastern raus?

Sonny Wharton: Wenn es eine wichtige Veröffentlichung ist oder ich das Gefühl habe, dass es etwas bringt, das Ganze von einem professionellen Ingenieur bearbeiten zu lassen, dann schicke ich es auch raus. Aber für mich ist es meistens eine Kostenfrage, die mich daran hindert, es bei jedem Stück zu tun. Der Release „Brass“ auf Size Records, den ich mit Ant & Paul gemacht habe, haben wir so gemastert, wie ich es eben beschrieben habe.

Digital Impression: Für mich ist es einfach eine Kostenfrage. Jetzt mal ehrlich, eine Menge Veröffentlichungen sind nicht erfolgreich genug, damit es finanziell gesehen einen Sinn hat. Sicher, wenn es so aussieht, dass alles erfolgreich läuft und ein Label dafür aufkommt, würde ich es IMMER zum Mastern schicken – das wurd der Sache gerechter, als wenn man es selber macht.

Ok, also zurück zu John, unserem Mastering-Experten. Was kannst du, was die Musiker nicht können?

John Cuniberti: Nichts, wenn sie bereit sind, ein Gehör dafür zu entwickeln, sich die richtige Ausrüstung besorgen und diese Kunst trainieren.

Es ist doch so, Musiker haben in den späten 60ern angefangen, ihre Platten selber zu produzieren. Dann, in den späten 80ern haben sie angefangen, ihre eigenen Sachen zuhause aufzunehmen und zu mixen. Jetzt, wo es Computer gibt, kann man eine CD mastern und zur Vervielfältigung schicken wie die Großen. Das Problem ist nur: in den meisten Fällen, wenn das Mixen fertig ist, hat der Musiker genug davon, seine Stücke zu hören und hat jegliche Objektivität verloren. Es zum professionellen Mastering zu geben, ist gut angelegtes Geld und es entsteht in 99% der Fälle ein besseres Produkt. Ich mastere selten die Platten, die ich auch abgemischt habe.

Sonny Wharton: Ich stimme zu, dass man die Objektivität verlieren kann. Und manchmal schicke ich meine Sachen am Ende zum Optimieren zu Digital Impression, er hat auch einiges an gutem Equipment.

Wenn unsere Leser ihre eigenen Tracks mastern wollen, was sind die Fallstricke auf die man achten sollte?

John Cuniberti: Sie sollten es nicht mit dem Bearbeiten übertreiben. Sowohl Radiosender als auch Clubs haben eine Kette von Kompressoren und Equalizern. Ich würde einen moderaten Einsatz eines digitalen Look-Ahead Peak Limiter empfehlen, der den Output auf 0.5 dB unter der normalen Skala (0 dB) reduziert um Übersteuerungen zu verhindern und 3-4 dB Peak Limiting, um das Material relativ „laut“ klingen zu lassen. Vorsicht mit den Equalizern, außer wenn man weiß, dass man seinen Lautsprechern wirklich vertrauen kann!

Sonny Wharton: Yeah! Die Dynamik eines Stückes zu zerstören, indem man alles an Druck rausholt, ist der häufigste Fehler, den man macht – jeder scheint zu versuchen, seine Sachen so laut wie nur möglich klingen zu lassen. Das Resultat ist meistens, dass man jegliche Tiefe und Wärme verliert, die elektronische Musik so interessant macht.

Sonny, DI, wurde alles, was ihr so zum Testen spielt irgendwie gemastert?

Sonny Wharton: Ja, alles. Ich würde niemals etwas auflegen, was ich nicht vorher auch gemastert habe.

Digital Impression: Absolut richtig! Das geht gar nicht!

Es gibt kein magisches „Mastere-alles-perfekt“-Plug-in, welche einzelnen Komponenten von welchen Herstellern empfehlt ihr?

John Cuniberti: Eine schwierige Frage, denn da kommt es auf das Geld an, dass man zur Verfügung hat und und die jeweilige Plattform auf der man arbeitet.

Man braucht auf jeden Fall einen guten Equalizer und einen guten Look-Ahead-Peak Limiter. Diese sollten transparent, sauber und Artefakte-frei sein. Erst dann kann man sich mit Equalizern und Kompressoren beschäftigen, die etwas Persönlichkeit einbringen, falls das für das Stück notwendig ist. Ich persönlich benutze den Massenburg DesignWorks EQ und den Oxford Limiter für 75% meiner Mastering-Arbeit.

Ja, da stimme ich zu – der Massenburg ist ein fantastischer Equalizer, für mich ist er besser als der Sonor mit dem Massenburg Add-on. Ich benutze ihn als meinen Power-Equalizer beim Mixen. Unglücklicherweise bringt uns das zu deiner Aussage mit den Plattformen, er funktioniert nur in Pro Tools, und da auch nur in Pro Tools HD.

John Cuniberti: In der Tat. Für die Klangfarbe benutze ich den UAD-2 Pultec, Neve, Precision EQ oder Massive Passive für EQ und den UAD-2 Fairchild, SSL oder Precision Limiter. Für schwere Reperaturarbeiten sind UAD-2 Multiband Limiter, WAVES Restauration Bundle und ihr Center Plug-In Pflicht. Außerdem liebe ich den Massey De-Esser.

Sonny Wharton: Es ist nicht unbedingt das beste Plug-In, was es gibt, aber für wenig Geld gefallen mir die Ergebnisse vom T-RackS 3 ganz gut, daher hab ich es in den letzten 12 Monaten meistens benutzt.

Digital Impression: T-RackS ist toll, und nicht zu vergessen den obligatorischen Waves Ultramiximiser.

John, was wäre die übliche Signal-Ketter für Mastering-Werkzeuge?

John Cuniberti: Bus Kompression, EQ, Peak Limiting.

Noch weitere Tipps zum Do-It-Yourself-Mastering?

John Cuniberti: Ein „Gewusst wie“ über Mastering wäre ein bisschen zu lang, um ihn in einem Artikel wie diesem zu beantworten. Es gibt ein Buch von Bob Katz (Mastering Audio – Über die Kunst und Technik), das alles sehr ausführlich beschreibt, um den meisten Problemen aus dem Weg zu gehen. Aber am Ende erfordert es einfach jede Menge Übung und eine Menge an schlechtem Mastering, um herauszufinden, wie es richtig geht – wenn überhaupt.

Klar ist, dass es viele Werkzeuge zum Mastering gibt, die man danach auswählt, was man mit dem Track machen möchte. Da gibt es Equalizer, Kompressoren, Multi-Band-Kompressoren, Limiter, Frequenzabhängige Limiter, Phasen-Kohärenz und Adjustierung, Stereo-Aufteilung, Verstärker, und so weiter… da gibt es einfach zu viel, um auf Einzelheiten eingehen zu können. Wie auch immer, man sollte aber wissen, dass die wichtigsten Werkzeuge Kompressoren, Equalizer und Limiter sind, und nach langer Debatte, haben wir uns bei DJ TechTools auf die folgenden Plug-Ins geeinigt, die unsere Spitzen-Tools sind. Sie sind unabhängig von Plattformen und alle im mittleren Preis-Spektrum angesiedelt und benötigen keine extra Hardware. Es gibt jeweils zwei Gewinner in jeder Kategorie.

Bus Kompressoren:

Waves SSL G „Buss“ Compressor

Cytomic „The Glue“ Compressor

Equalizer:

Sonnox EQ IK Multimedia

T-RackS 3 Equalizer

Limiter:

Waves L2 Ultramaximizer

IK Multimedia T-RackS 3 Limiter

Ich weiß, wir haben gesagt, es gäbe jeweils zwei Gewinner, aber das hier ist ein Diamant! Ein fantastischer Limiter, aber nur für Pro Tools zu haben:

Massey L2007 Mastering Limiter

Vielen Dank an John Cuniberti, Sonny Wharton und Digital Impression für die Zeit, die sie uns geopfert haben. Morgen in der zweiten Folge, zeigen wir euch eine Schritt für Schritt-Anleitung zum Mastern eurer Tracks.

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Wie sieht das heute aus? Kann man ohne “Heimcomputer” ein qualitativ hochwertiges Leben führen? Braucht man 30 verschiedene WLAN-Netze in seinem Schlafzimmer, ein iPad (habe bisher noch keine gute Einsatzmöglichkeit für mich gefunden), ein Smartphone mit dem man sich an jedem noch so unwichtigen Örtchen “eincheckt” und einen Computer der permanent auf 25.000 Social-Media Kanälen funkt und die Welt-Spam einfängt? Ist das alles sinnvoll? Ich bitte um Antworten.

Bildquelle: http://www.atarimuseum.de/

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Fangen wir also einfach mit den berühmten Four Letter Words an, die im Englischen meist für Flüche stehen. Aber in diesem Fall ist daraus eine hübsche Installation geworden, die mit Air unterlegt einen netten Einsteiger in die Woche bildet.

Rob Seward – Four Letter Words

Weiter soll es mit einem unserer Lieblingsregisseure gehen, der komischerweise bisher von uns noch gar nicht erwähnt wurde. Wer es noch nicht wusste, wir lieben Michel Gondry wirklich! Das Video für Mia Doi Todd ist zwar nicht eins seiner besten, schön ist es aber dennoch irgendwie.

Mia Doi Todd – Open Your Heart (Regie: Michel Gondry)

Wir zeigen sonst keine Werbung, aber hier geht es ja um einen guten Zweck und eigentlich ist es ja auch eher eine Aufforderung, auf uns alle aufzupassen. Außerdem hat es was vom Planeten der Affen, nur umgekehrt.

World Wildlife Fund – Space Monkey (Regie: Ben Lee & Leo Burnett)

Abschließend noch ein kleines chemisches Experiment. Hier wird äußerst photogen mit Trockeneis herum hantiert. Die Musik passt zwar mehr zum kommenden Wochenende als zum Anfang, aber das ist ja schon wieder in Sicht.

Vitalic – See the Sea (Red) (Regie: DIY & Brillantine)

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©2009 Julius Brodkorb (VRU Berlin)

Der Untergang begann in Bayern, als eine Gruppe Wissenschaftler den MPEG Audio Layer 3 – kurz MP3 – erfand. Mittlerweile weiß wirklich jeder, worum es sich dabei handelt. Aber die alten Männer der größten Plattenfirmen der Welt, denen die Wissenschaftler damals an einem Tisch gegenüber saßen, wollten nicht ganz verstehen, was ihnen die Forscher vorstellten. Vor allem wollten sie sich selbst nicht vorstellen, dass Musikkonsumenten ihre Musik in Dateiform hören wollen würden, geschweige denn den Computer als Abspielstation nutzen, statt den guten alten Discman mit sich zu tragen. So lehnten sie das Angebot der Forscher ab, kooperierten nicht und machten das Format auch nicht zu einem Bestandteil ihres zukünftigen Musikangebotes.

Was dann folgte, ist ebenfalls allen klar. Die Musikhörer wollten ihre Musik in Dateiform hören und machten ihre Computer zur Abspielstation. Die Musikindustrie blickte dumm aus der Wäsche, weil sie wirklich überhaupt nicht damit rechnen konnte. Der Discman ist mittlerweile ein Kuriosum der Wiedergabegeräte – wirklich coole Menschen tragen den echten Walkman™, der immerhin noch veritablen Bandsalat produzieren kann.

Nun könnte man sagen, dass es wohl bald keine professionellen Musiker mehr geben wird, wenn es so weitergeht wie jetzt. Warum aber erfreuen sich legale Downloadanbieter wie iTunes, Beatport oder Napster großer Beliebtheit? Natürlich kann man Rekordverkäufe irgendwelcher Eurovisionskandidaten als Ausreißer werten, aber tatsächlich soll es mehr als genug zahlende Downloader geben. Die Gewinnspannen der Verkäufe übertreffen die von CDs bei weitem, da lästige Herstellungs- und Transportkosten entfallen und somit können Musikanbieter eigentlich nur gewinnen.

Das Kurioseste allerdings passiert derzeit jenseits der Downloadportale, sozusagen im „First Life“ – sieht man sich in den von stumpfsinniger Werbung propagierten Elektro-Discounter-Höllen unserer Städte um, so stößt man immer wieder auf gut befüllte und ständig wachsende Regale mit – richtig – Schallplatten. Jenen Tonträgern, die Anfang der 90er als Auslaufmodelle bezeichnet wurden und deren weitere Herstellung doch eigentlich außer Frage stand.

Weezer – Dreamin (Regie: Robert Lepe)

Warum ist das so? Warum ist die Platte nicht vollständig durch die CD ersetzt worden? Vielleicht muss man sich einfach mal die beiden Medien genauer anschauen, um zu begreifen, was eigentlich naheliegend ist. Die CD ist nach jedem ästhetischen Maßstab hässlich. Zunächst hat die Hülle ein Volumen, das von dem Inhalt in keiner Weise gerechtfertigt ist, sie enthält hauptsächlich Luft und dann noch ein Booklet genanntes Heft, dessen Umfang zwischen labberigem Faltblatt und mehrseitigem Hochglanzdruck variiert. Leider sieht dieses Booklet meist schon nach dem ersten Entnehmen nicht mehr besonders hübsch aus, da die kleinen Halterungshubbel in der meist durchsichtigen Frontseite der Hülle ein einfaches Entfernen verhindern und immer hässliche Knicke hinterlassen.

Die CD selbst wird meistens so behandelt wie sie aussieht – schlecht. Der Irrglaube, dass sie nicht analog beschädigt werden kann, da es sich ja um ein digitales Medium handelt, führt dazu, dass die CD gerne ungeschützt durch den Wohnraum fliegt oder auf dem Armaturenbrett des Autos tagelang in der Sonne liegt. Dass der „Rohling“, ein weiterer hässlicher Abkömmling der metallbeschichteten Plastikscheibe zu Dutzenden in einer „Spindel“ aufbewahrt wird, verbessert nicht unbedingt die Wertigkeit der Compact Disc.

Letzten Endes handelt es sich bei der CD nur um eine Musikkrücke, die zwar mittlerweile auch wie früher die Kassette wiederbespielbar ist, aber aufgrund ihrer extrem niedrigen Preisbarriere eher entsorgt als erneut bespielt wird. Und der Vorteil gegenüber der MP3-Datei ist gar keiner, da es für den Benutzer wenig gewinnbringend ist, die CD zu wechseln statt seinen iPod an die heimische Stereoanlage zu klemmen und sich auf diese Weise zu beschallen.

Diametral entgegengesetzt dazu hat die Schallplatte viele nicht von der Hand zu weisende Vorteile. Sie macht optisch in hohem Maße etwas her, ist sogar als Dekorationsobjekt geeignet. Sie nimmt zwar in der X- und Y-Achse mehr Raum ein als die CD, hält sich aber bei der Dicke dezent im Hintergrund. Ein Booklet ist völlig überflüssig, da sich alle Informationen und Bilder großformatig auf Plattenhülle und Innenhüllen unterbringen lassen. Manchmal sogar führen raffinierte Klappmechanismen zu einer Verdopplung oder sogar Verdreifachung der grafisch gestaltbaren Oberfläche.

Zu all den visuellen Vorzügen der Platte kommt aber ein weiterer und noch entscheidenderer Vorteil: der Klang. Und es geht nicht um das Knistern oder reibungsbedingte Grundbrummeln des Vinyls, sondern um den unsynthetischen, warmen Sound, der in den Rillen sitzt. Es geht nicht um Vintage oder Retro, sondern ein tatsächlich physikalisch messbares, anderes Dynamikverhalten und eine ebenfalls andere Art des Musikkonsums. An dieser Stelle soll nicht die Vinyl-DJ-Variante hochgehalten werden, da die Vorteile des DJing mittels MP3s unbestreitbar sind – niemand muss mehr Platten schleppen. Ein Laptop und ein paar Kabel reichen aus und der Klangunterschied geht ohnehin in den brüllenden Bässen, den peitschenden Höhen der Clubanlage verloren und egalisiert sich zu einem hypnotischen Einheitsbrei. Nein, es geht wirklich um einen körperlich anders wahrnehmbaren Klang, den eine gut gepresste Schallplatte ausmacht.

Außerdem hat die Schallplatte einen weiteren Vorteil, der zunächst wie ein Nachteil erscheint. Sie mag durch Kratzer etwas empfindlicher wirken, ist aber um ein vielfaches robuster als eine CD. Denn selbst wenn sie massiv zerkratzt ist, lässt sich aus ihr immer noch etwas heraushören. Eine CD ist dagegen schon für immer unspielbar, wenn man nur aus Versehen mit einem scharfen Fingernagel ein Stück der hauchdünnen, silbernen Schicht von der Plastikscheibe kratzt. Wer CDs aus den ausgehenden 80ern besitzt, wird wahrscheinlich schon mal die Erfahrung gemacht haben, dass diese mit fiesen kleinen Löchern durchzogen sind und deshalb nicht mehr abzuspielen sind. Eine Schallplatte muss man schon zerbrechen, um sie nicht mehr wiedergeben zu können. Sie ist im Grunde das Pendant zum Buch, dass auch schwerer unlesbar zu machen ist als alle digitalen Datenträger.

Sicherlich werden diese Argumente nicht alle überzeugen, doch die Zweifler werden sich noch wundern, wenn sie irgendwann nicht mehr zweifelnd sondern verzweifelt nach CDs im Kaufhaus suchen werden.

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Als fotografierfreudiger Mensch spielt die erbsengroße Kamera in dem oben genannten Gerät natürlich eine große Rolle. Ich erinnere mich noch sehr gut an mein erstes Fotohandy. 0,3 Megapixel sorgten für briefmarkengroße Schnappschüsse, die Auslöseverzögerung konnte man wunderbar als Kaffeepause nutzen und die lustigen Bilderrahmen in der Kamerasoftware hätte man besser in den 20er Jahren als Teil der Dada-Bewegung verkaufen sollen. Diese Technik hat uns trotzdem nicht daran gehindert, spielerisch mit ihr umzugehen. Eine Kombination aus Auslöseverzögerung und Handy-Hochwurf ergab sehr interessante Motive, besonders wenn man diese in einem Copyshop (der Besitzer konnte es nicht fassen) auf DIN A0 ausdrucken ließ.

Nun, sechs Jahre später… Polaroid ist tot und in einer anderen Form wieder auferstanden, jeder hat ca. 10 alte Handys in der Schublade und wer in der Medienbranche arbeitet hat eh ein iPhone. Die 3,2 Millionen Pixel die uns dieses Gerät nun durch Ihre Murmel auf den stecknadelgroßen Chip brennt, geben uns endlich das Gefühl „richtige“ Fotos zu machen. Durch den Einsatz bestimmter Apps wurde es sehr schnell zum Trend die immer noch relativ schlechte Bildqualität durch geschickte Softwarefilter zu einem retro-fotografischem Ergebnis zu trimmen. In den letzten 2 Jahren hat sich daraus eine neue Art der Fotografie entwickelt. Durch das ständige Mitführen seines Handys hat man immer die Möglichkeit Fotos zu machen und direkt auf dem Gerät zu bearbeiten. Der Schritt der digitalen Nachbearbeitung auf dem Computer fällt in diesem Fall meistens weg und ist in der iPhoneograhpy-Szene nicht gerne gesehen. Im folgenden Teil möchte ich euch fünf interessante iPhone-Apps vorstellen.

Moritz Otto – No title (Lo-Mob App)

Moritz Otto – No title (Lo-Mob App)

1. Lo-Mob
Mit der Lo-Mob App kann man seine Fotos durch die einfache Auswahl von Filtern auf „Retro“ trimmen. Es geht von „Classic Vintage“ über „35mm Film Experimentation“ und „Emulsions“ bis hin zu „Instant Matic Photography“. Die App gibt einem ein sehr umfangreiches Angebot an Möglichkeiten und ist vom Interface sehr einfach gehalten. Die Ergebnisse werden im iPhone Fotoalbum gespeichert. (iTunes Link / 1,59€)

2. CameraBag
CameraBag ist ein Klassiker der iPhoneography Apps. Eine sehr einfach zu bedienende App mit zahlreichen Filtern wie zB. Lomography, Cross-Processing und diversen Mono-Filtern. Die App würde ich als Basic-Kit für jeden Anfänger empfehlen. (iTunes Link / 1,59€)

3. Hipstamatic
Das Interface der Hipstamatic App ist mit sehr viel Liebe zum Detail entwickelt worden. Die Filter werden mit einer Film- bzw. Objektiv -Metapher versehen. Man kann in der App weitere Filter nachkaufen und kombinieren, der quadratische Sucher ist sehr hilfreich beim Fotografieren. Bilder aus dem Fotoalbum können nicht nachträglich mit Hipstamatic bearbeitet werden. (iTunes Link / 1,59€)

4. TiltShiftGen
Der TiltShift-Generator sorgt für den allseits beliebten Tilt-Shift-Effekt. Siehe VRU-Berlin > Tilten&Shiften (iTunes Link / 0,79€)

5. ShakeItPhoto
Diese App ist genau das richtige für alle Polaroid Freunde und beschränkt sich nur auf den bekannten Instant-Look. (iTunes Link / 0,79€)

Für alle interessierten, hier noch ein paar Links zur iPhoneography:
http://www.iphoneography.de
http://www.iphonecameraproject.com/
http://www.iphoneography.com/
http://www.flickr.com/groups/iphoneography/
http://www.flickr.com/groups/iphoneographers/
http://iphoneblography.com/

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Bestaunen bzw. kaufen kann man das Ganze hier oder auch im Bastelladen deines Vertrauens.

Glaubt es mir: Neodym – damit werde ich nie wieder Langeweile haben! (tk)

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